Развитие творческой личности ребенка на уроке музыки

| Категория реферата: Рефераты по педагогике
| Теги реферата: измерения реферат, мировая экономика
| Добавил(а) на сайт: Лидия.

К. Ушиский

Школьная программа “Музыка” нацеливает учителя на воспитание у школьников музыкальной культуры как части их общей духовной культуры. При такой постановке цели музыкального воспитания особенно важно владеть искусством своей профессии. “Есть искусство и есть творчество”,- говорил В.Немирович-
Данченко. Это противопоставление не случайно. Оно закономерно возникает тогда, когда речь идет не о внешних, а о глубинных творческих процессах в искусстве. Так, творческий урок музыки становится антитезой другого урока, в котором царит ремесло, пусть даже самое умелое. В связи с этим и возникает проблема “внешнего” и “внутреннего” в искусстве ведения урока музыки. Одно дело, если урок - лишь привнесение неких новых слуховых добавлений к музыкальным впечатлениям школьников. Другое дело, если это - особенная, неповторимая встреча с искусством. Проблема “внешнего” и
“внутреннего” на уроках музыки есть по сути реальное взаимоотношение Музыки как искусства и Искусства проведения урока музыки.
Современный опыт ведения урока в школе убедительно показывает, что учитель может быть истинным творцом только тогда, когда ежеминутно связывает неразрывной нитью сыгранное, пропетое или высказанное им со своим внутренним миром, со своим отношением к звучащему, со своим жизненным опытом.
Если учитель, продумывая урок, не берет в качестве “материала” самого себя, свои чувства, мысли, опыт, то как ему обрести грань между внешним - холодным, равнодушным, и внутренним - глубоко пережитым, прочувствованным?
Всякая художественно-педагогическая задача, идея урока должна быть органична для учителя, глубоко им пережита и, самое главное, отождествлена со своим “я”. Этот процесс сложен, но лишь его наличие превращает урок в настоящую правду искусства. Недаром К.Станиславский, резко отделявший правду искусства от фальши, писал: “Нет ничего мучительнее обязанности во что бы то ни стало воплощать чужое, смутное, вне тебя пребывающее”.
Естественно, в художественном творчестве ценно только то, что подсказано процессом подлинного переживания, и только тогда может возникнуть искусство. Это в полной мере следует отнести к педагогическому процессу на уроке. Истинное погружение в художественный образ, его постижение тесно связано с процессом переживания, с умением пропустить через себя, с ощущением интонаций музыкального произведения как своих собственных.
Я считаю, что для урока искусства психологическая, техническая, интеллектуальная, профессиональная подготовка недостаточны. Необходимо подготовиться к уроку еще и эмоционально.
Особенно важно в эмоциональной стороне профессионального мастерства учителя музыки умение найти верный тон урока. Термин “задать тон” беседе, исполнению издавна бытует в искусстве. Это понятие связывается с эмоциональным центром творческого процесса. Найти верный тон, который присутствовал бы и был бы своеобразным в каждом уроке,- одна из сложнейших задач подготовки учителя в настоящее время.
Соотношение внешнего и внутреннего в искусстве ведения урока может успешно решаться через формирование у учителя актерского мастерства.
Если идею музыкального произведения сформулировать в нескольких словах и в таком виде сообщить ее ребенку, то жизнь идеи на этом и закончится. В учениках важно возбудить ощущение идеи, но для этого необходимы средства, воздействующие не столько на разум, сколько на чувства. Актерское мастерство в этом отношении обладает богатейшими возможностями.
Необходимо глубже осмыслить метод К.Станиславского и применять его в формировании педагогического мастерства учителя музыки. Полезным может быть один из известных в театральной педагогике приемов, получивший название
“прием отождествления”, то есть слияние своего “я” с образом, мыслью, которую необходимо раскрыть в исполняемом произведении.
Этот прием предполагает не только большую предварительную работу над музыкальным произведением (знание эпохи, истории создания, художественного и мировоззренческого контекстов и т.д.), но и естественное органическое
“проживание” педагогом художественного образа этого произведения. Только тогда возможно истинное общение между детьми и учителем.
Творить, по определению К.Станиславского, означает “страстно, стремительно, интенсивно, продуктивно, целесообразно и оправданно идти к сверхзадаче”- постижению и раскрытию художественного образа произведения.
С педагогической точки зрения в подготовке учителя музыки для нас важна та часть наследия К.Станиславского, которая тесно связана с искусством переживания. Переживания как органического единства интеллектуального и эмоционального в человеке. Для педагога музыки чрезвычайно важно научиться сознательно управлять подсознательной творческой активностью своей психики, так как многие процессы в искусстве и в художественном развитии ребенка связаны с подсознанием, с интуитивным, но адекватным постижением прекрасного, вне его разложения на отдельные элементы.
Для учителя музыки чрезвычайно важно уметь быть выразительным во всех своих проявлениях, уметь находить адекватную внешнюю форму выражения переживаемых им чувств, эмоций. Поэтому педагогу необходимо научиться не бояться определять словами, выразительными движениями, мимикой то, что трудноуловимо в произведении искусства - его красоту, тончайшее кружево его образов. При этом надо постоянно помнить о том, что обойтись одним чувством нельзя, необходимо интеллектуально, технически изучить художественный материал. “Если нет материала, чувству не во что излиться.” (С.Волконский)
Эмоциональное начало должно органично соединиться в мастерстве учителя музыки с аналитическими способностями. Ибо “в основе всякого творческого процесса заложено увлечение, что, конечно, не исключает огромной работы разума. Но разве нельзя мыслить не холодно, а горячо?” (К.Станиславский)
Хочется привести несколько мыслей из книги С.Волконского “Выразительный человек”, которые, на мой взгляд, могут обратить внимание педагогов к этой важнейшей проблеме - выразительности учителя музыки:
“В актерском искусстве, как во всяком другом, не довольно внутреннего побуждения, а нужно умение этому побуждению повиноваться, не довольно чувствовать, а надо уметь воплотить, не довольно испытать, надо уметь испытанное показать”.
“Тело - инструмент, актер - инструменталист”.
“…Внешний жест, будучи лишь отражением внутреннего душевного движения, которое его порождает и руководит им, должен уступать ему в развитии. То есть, можете дать больше того, что даете, но никогда не давайте больше того, что можете, ни даже все, что можете”.
“…Совать выражение всюду, куда попало, во что бы то ни стало, во что нелепо”.
“Нет ничего хуже, как жест, когда он не оправдан”.

ТВОРЧЕСТВО УЧИТЕЛЯ И УЧЕНИКА

(ИЗ ОПЫТА РАБОТЫ).

Работая вот уже несколько лет по программе Д.Кабалевского со школьниками разных возрастов, я стремлюсь вызвать в детях и подростках ясное понимание и ощущение того, что музыка, как все искусства, не просто развлечение, не добавление, не “гарнир” к жизни, которым можно пользоваться по своему усмотрению, а важная часть самой жизни, жизни в целом и жизни каждого отдельного человека, в том числе каждого школьника.
Музыка и жизнь - это генеральная тема, своего рода, “сверхзадача” в школьных занятиях музыкой. Она должна пронизывать все занятия во всех звеньях от первого до последнего класса. Музыкальный материал, звучащий на занятиях, комментарии учителя, наблюдения и размышления самих учащихся, направляемые учителем,- все должно помогать постепенному решению этой
“сверхзадачи”.
Важнейшей особенностью программы является ее тематическое построение.
Творчески подходя к программе, я ни в коем случае не разрушаю ее тематическое построение, потому что последовательное развитие определенных тем - основа основ данной программы.
При этом из различных видов учебной деятельности в каждом случае избираются наиболее необходимые, и все они связываются в единый тематический узел. Отдельные произведения, мои комментарии и вопросы, ответы учащихся - словом все, что звучит, все, что происходит на уроке, подчиняется основной теме как общей закономерности, объединяющей все частные случаи.
Таким образом, урок перестает распадаться на мало, а то и вовсе не связанные друг с другом составные части. Какие-либо членения урока, связанные с рабочим планом его проведения, могут существовать лишь в сознании учителя, но ни в коем случае не в сознании учащихся. Для них урок музыки всегда должен быть целостным, объединяющим все входящие в него элементы в единое понятие: музыка, музыкальное искусство.
Свободное от схемы, творческое комбинирование составных частей урока в единое музыкальное занятие дает возможность вносить в урок любые контрасты, необходимые для поддержания внимания учащихся, атмосферы творческой заинтересованности. Пусть учитель будет свободен от власти схемы, требующей от него стандартного графика проведения урока. Но отсутствие стандарта, штампа, трафарета не означает отсутствие системы, а творческая свобода учителя не равнозначна произволу, хаосу, анархии.
Перед учителем музыки стоит непростая задача: объединить все элементы, из которых складывается урок, подчинить их основной теме урока, четверти, года, всего школьного курса, не утеряв при этом специфическую логику развития, присущую каждому из этих элементов в отдельности.
Тематическое построение программы дает в руки учителю два существенных преимущества. Во-первых, он получает возможность свободно маневрировать в рамках четвертной программы и программы всего года, не выходя за пределы основных тем. Во-вторых, он вооружается “тематическим компасом”, который помогает ему ясно видеть направление занятий на протяжении всего года и облегчает решение весьма трудной задачи в области эстетического образования
- установление критерия требований к учащимся.
Возможность “свободного маневрирования” при ориентации на ”тематический компас” дается учителю не только для улучшения учебно-воспитательного процесса в целом, но, прежде всего, чтобы помочь ему в решении одной из важнейших задач музыкального образования в школе - творческого развития учащихся.

* * *

Требование гуманизации образования, выдвинутое психологами и педагогами, предполагает большое внимание к развитию творческих способностей ребенка, лучших его личностных качеств. Дать знания, развить навыки и умения - не самоцель. Гораздо важнее - пробудить интерес к познанию. Воспитание творческой личности - одна из важнейших задач, стоящих передо мной.
Только самостоятельное творчество детей на уроке разбудит их дремлющие способности. Много внимания я уделяю видам деятельности, развивающим именно творческую жилку в ребенке. На своих уроках я стремлюсь на ряду со слушанием музыки и вокально-хоровым исполнением уделять значительное место пластическому интонированию, импровизации, инструментальному музицированию, драматизации.
Во вступительной статье к программе по музыке Д.Кабалевский писал:
“Всемирно развивая различные формы приобщения школьников к музыке, всегда надо иметь в виду, что в основе любой из этих форм лежит эмоциональное, активное восприятие музыки. Восприятие музыки нельзя сводить к одному из
“видов деятельности” учащихся, … активное восприятие музыки - основа музыкального воспитания в целом, всех его звеньев.” Таким образом, возникает двойная связь: восприятие музыки - все виды музыкальной деятельности; связь, которая и обусловливает неразрывность и единство всей музыкальной деятельности учащихся.
Настоящее, прочувствованное и продуманное восприятие музыки - одна из самых активных форм приобщения к музыке, потому что при этом активизируется внутренний, духовный мир учащихся, их чувства и мысли. Вне восприятия музыка как искусство вообще не существует. Бессмысленно говорить о каком либо воздействии музыки на духовный мир детей и подростков, если они не научились слышать музыку как содержательное искусство, несущее в себе чувства и мысли человека, жизненные идеи и образы.

СЛУШАНИЕ МУЗЫКИ.

“Влияние музыки на детей благодатно, и чем ранее они начнут испытывать его на себе, тем лучше для них.”

В.Г.Белинский

Умение слышать музыку и размышлять о ней я воспитываю в ребятах с самого начала школьных занятий музыкой. Уже на первом уроке первого года обучения в классе должен быть установлен непреложный закон: когда в классе звучит музыка, ни один из ребят не должен поднимать руки. При этом необходимо, чтобы ребята сразу же поняли, что они должны выполнять этот закон не потому, что того требует дисциплина, а потому, что когда звучит музыка, только внимательно следя за ее звучанием, можно глубоко воспринять ее и по- настоящему понять.
Учиться слышать музыку учащиеся должны непрерывно на протяжении всего урока: и во время пения, и во время игры на инструментах, и в моменты, требующие наибольшего внимания, сосредоточенности и напряжения душевных сил, когда они выступают в роли собственно слушателя.
Понимая проблему развития музыкального восприятия, педагог на протяжении всего занятия побуждает детей прислушиваться к звучащей музыке. Только тогда, когда дети будут чувствовать и осознавать характер музыки, выражать его в своей творческой деятельности, приобретенные навыки и умения пойдут на пользу музыкальному развитию.
Творчество детей базируется на ярких музыкальных впечатлениях. Слушая музыку, ребенок всегда слышит не только то, что в ней самой содержится, что заложено в ней композитором (и, конечно, исполнителем), но и то, что под ее влиянием рождается в его душе, в его сознании, то есть то, что создает уже его собственное творческое воображение. Так, прослушанное произведение рождает в нем сложный сплав объективного содержания музыки и субъективного ее восприятия. К творчеству композитора и к творчеству исполнителя присоединяется творчество слушателя!
Вот пример разбуженного музыкой творческого воображения. Когда, в связи с темой урока в первом классе школы (“Марш”), мне пришлось сыграть первые такты траурного марша Шопена, почти все ребята сразу же сказали, что это
“похоронный марш” и что музыку эту они раньше уже слышали. Потом один мальчик стал рассказывать, как под эту музыку в деревне хоронили его дедушку. Для этого мальчишки шопеновская музыка была содержательнее, богаче, чем для тех, для кого она была просто “похоронным маршем”. Для него это была не только музыка, но и частица его собственной жизни, поэтому волновала больше и в сознание входила глубже.
Воображение у ребят, особенно младшего школьного возраста, как правило, яркое, живое, и “музыкальные картинки” они слушают с удовольствием, причем чаще всего я прошу их слушать с закрытыми глазами, чтобы не отвлекаться, а увидеть музыку в своем воображении.
Мои наблюдения над ребятами заставляют меня сильно усомниться в правильности широко распространенного в музыкальной педагогике мнения, будто дети легче усваивают программную музыку, нежели музыку, не имеющую программных названий. Я думаю, что они легко усваивают не программную музыку, а программные заглавия. В этих случаях программа не только не активизирует музыкальное восприятие детей, но зачастую парализует его.
Вот почему для творческого развития детей, играя им программную музыку
(это, конечно, должна быть очень хорошая, ярко образная музыка, с очень точным авторским названием), я не сообщаю предварительно ее названия, с тем чтобы они сперва определили характер самой музыки, а уж потом попытались дать ей свое название, исходя из того, что ими было услышано, почувствовано и осмыслено.
Ответы ребят дают представление о степени развития их музыкального восприятия. Так, например, произошло с фрагментом из “Утра” Грига. Ребята по-разному называли его: “Весна”, “Восход солнца”, “Цветы распускаются”,
“Утро в лесу”. Я постепенно подвожу их к правильному названию. Нужно осторожно и ненавязчиво приблизить слушателей к музыке, а не увести их в мир далеких от музыки наивных фантазий. Я прибегаю к “подсказкам”, полагая, что они помогают восприятию музыки. Нельзя навязывать слушателям в качестве
“программы” сочинения свои собственные толкования, основанные на субъективных ассоциациях. А чуткая “подсказка” может оживить творческое воображение, интеллект и память ребенка и тем самым принести добрые плоды.
Я часто практикую письменные работы, своего рода сочинения на музыкальные темы (особенно в старших классах). Самостоятельные размышления учащихся должны быть тщательно подготовлены их мыслями, творческому восприятию должно быть задано определенное направление, чтобы не стеснять воображение детей, не ограничивать их ассоциативное мышление.
Приведу несколько интересных, глубоких рассуждений ребят о “Лунной сонате” Л.Бетховена (1 ч.):

Я думаю, что эта музыка обладает глубокими чувствами. Она проникает в меня, задевая каждую струну моей души.(Реброва М.)

По-моему, эта соната рассказывает о том моменте в жизни композитора, когда любовь поступила сурово с ним. Он огорчен. Но надеется, что все пройдет, и он встретит еще человека, с которым будет счастлив.(Буракова М.)

Музыка переполнена грустью, печалью, несбыточными мечтами. Может быть в сонате рассказывается о безответной любви композитора? В начале он еще питает какие-то надежды, но ближе к концу они постепенно угасают. И заканчивается 1 часть безысходностью.(Ерохова Л.)

Разные ребята, разные высказывания. Сразу чувствуется индивидуальность автора каждой работы.
Это только некоторые формы общения детей с музыкой, которые направлены на развитие творческого воображения, на развитие восприятия музыкального образа, а через него - на восприятие разных сторон жизни.

* * *

Желание высказать свои мысли и чувства не может появиться у ребят, если нет интереса к уроку и к музыке вообще. Учитель должен создать атмосферу доверия, доброжелательности - беседы и дискуссии по инициативе самих ребят возникают на уроках тогда, когда у них пробуждается желание высказаться, когда они чувствуют необходимость общения с учителем.
Как лишить скуки на уроке себя и своих учеников? Как заразить их собственным творчеством? Все дело в атмосфере урока. Не в моих навыках - в вокальных, пианистических, дирижерских, а в умении ладить с ребятами, уважать в них творческую личность, помочь раскрыть себя, даже в умении слушать их, улыбаться им и прощаться с ними в конце урока или учебного года.
Хочу подчеркнуть мысль об атмосфере урока и тех методах, которые помогают
“планомерно и постепенно ввести ребенка в музыку, приобщить к ней”
(Н.Л.Гродзенская). Методы активизации, назовем их так, могут быть самыми различными - главное - будить детское внимание и воображение, способствовать зарождению любви к музыке и ее пониманию.
Вызываемая учителем активность класса может служить одним из важнейших критериев его педагогического мастерства. Активность эта, конечно, не исчерпывается количеством, быстротой и даже содержательностью ответов на поставленный вопрос. Все формы музыкальных занятий в школе должны способствовать творческому развитию учащихся, т.е. вырабатывать в них стремление к самостоятельному мышлению, к проявлению собственной инициативы, стремление сделать что-то свое, новое, лучшее.

МУЗЫКА - ДЕТИ - УЧИТЕЛЬ.

“Полнота общения - высшая радость жизни.”

А.Швейцер

Для предмета “Музыка” общение - одно из центральных понятий. Это прежде всего взаимодействие учителя и учеников, имеющее особую эмоционально- содержательную окраску. Общение на уроке музыки можно определить и как совместную творческую деятельность учащихся и учителя, направленную на раскрытие жизненного содержания музыки, опыта нравственных отношений, заложенного в ней.
Многообразная палитра взаимоотношений предстает на уроке: между музыкой, учителем и учениками; между учителем и учениками; между детьми в коллективных формах деятельности. Но все это многообразие емко и образно выражено в словах Асафьева о том, что музыка “заключается и существует в единстве и соотношении творчества, исполнительства и слушательства через восприятие.
Большое внимание я уделяю слову о музыке, т.к. значение словесного метода в музыкальном воспитании очень велико. Слово о музыке должно быть ярким, образным, но предельно точным, направленным на творческую фантазию ребенка.
Прослушана музыка, задан вопрос - и нет ответа. Я не тороплюсь с подсказкой. Опираясь на музыкальный и жизненный опыт детей, я вместе с ними ищу художественно-образные связи содержания данного произведения с живописью, литературой, природой, жизнью. Дети прочувствуют, осознают и ответят. Более того, учитывая специфику урока музыки, я использую не только вопрос как традиционную форму общения, а высказывание-раздумье, высказывание-проблему, высказывание-отношение. Некоторых учеников трудно привлечь к общему разговору на уроке. Самолюбие, порой болезненно проявляющееся в подростковом возрасте, сковывает таких ребят, они стесняются выражать свои мысли, боясь выглядеть неловкими и смешными. Я отношусь к ним с особым вниманием, терпением, поощряя их попытки высказаться о музыке.
Важно понимать природу коллективного размышления детей о прослушанной музыке, учитывать закономерности общения в создании коллективного отношения к музыке. Размышления детей на уроке музыки - это деятельность, вытекающая из художественного общения с музыкой и продлевающая его.
Художественная и педагогическая ценность вопроса заключается в возможности дать на него разные правильные ответы, в его многоплановости и творческой основе. И тогда творчество проявляется в ребятах уже с первого класса в своеобразии ответов. Размышляя о характере песни “Сурок”
Л.Бетховена, дети отвечают: “Грустная, нежная, спокойная, тихая, медленная, ласковая, красивая”, “Это очень печальная песня”, “Мне жаль бедного одинокого шарманщика”. Все дети находятся под воздействием звучащей музыки: они вместе творят, воссоздают ее образ, раскрывая свое отношение. При этом замечательно, если коллективное размышление будут “собирать” сами дети.
Т.е. не учитель объединит то, что они сказали, а кто-то из учеников.
Преобладание коллективных форм работы на уроке музыки создает объективные предпосылки для глубокого всестороннего личностного общения детей, взаимовлияния их друг на друга. Вот почему необходимо чувствовать, понимать и сохранять индивидуальность, неповторимость каждого ребенка.
Для меня важно не только содержание, но и интонации речи ученика. Речевая интонация, тесно связанная с проявлениями психической жизни ребенка, дает возможность услышать много интересного. Уже в самой эмоциональной окрашенности речи - восхищении, радости, равнодушии, раздраженности выражается отношение ребенка к музыке, к нравственной проблеме. Очень важно наблюдать за развитием образности и интонационной выразительности речи ученика на уроке. Это один из обширнейших источников познания творческой деятельности детей.
Но я не свожу общение только к речевой деятельности. Бывает в классе такая тишина, которую больше всяких слов “скажет” о том, что общение состоялось. Дети не просто молчат, они остаются “жить” в прозвучавшей музыке. Так же как пауза - это не перерыв в музыке, так и молчание класса - не перерыв в восприятии, а продолжение работы чувств и мыслей детей. Такая пауза чрезвычайно важна на уроке. Поэтому я не могла нарушить такую тишину после звучания органной фуги И.С.Баха в шестом классе. Однажды я наблюдала, как, словно завороженные, шестиклассники сидели, слушая при свечах
“Реквием” В.А.Моцарта. Думаю, что это не забудется, останется на долгие годы в их душе как нечто невыразимо прекрасное.
Еще одна форма свободного творческого проявления личности ребенка, его интересов и склонностей присутствует на моих уроках. Это ведение “Дневника музыкальных впечатлений”, где дети отражают свои размышления. Дети его заводят с третьего класса. В начале чувствуется скованность и ограниченность мыслей, но, чтобы помочь ребятам, я даю им план, в котором есть вопросы об авторе произведения, о содержании музыки и об исполнении.
Также я даю возможность проявить себя в творческой работе не только на уроке, но и дома. Домашние задания способствуют появлению интереса к урокам музыки. Дети очень любят выразить свои впечатления от музыки в рисунках, стихах, рассказах. Вспомните слова Б.Окуджавы:

Каждый пишет, как он слышит,

Каждый слышит, как он дышит,

Как он дышит, так и пишет,

Не стараясь угодить.